Tim Brown en TED - "Creatividad y juego"
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Vale la pena tomarse un tiempito para verlo. También lo pueden encontrar en la página de TED y verlo con subtitulos a elección. Les dejo el link al video en la página de TED: Tim Brown
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Vale la pena tomarse un tiempito para verlo. También lo pueden encontrar en la página de TED y verlo con subtitulos a elección. Les dejo el link al video en la página de TED: Tim Brown
76° aniversario de Roger Hargreaves
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En el día de ayer Google rindió homenaje a Roger Hargreaves en su 76° aniversario. Aproveche la oportunidad para darme una vuelta y conocer un poco más al respecto y ver si en la web se podían encontrar trabajos de diseño en relación a sus ilustraciones. Se pueden ver sus ilustraciones estampadas en prendas de vestir varias, tazas, llaveros, monederos, entre otras cosas.
Sobre Roger Hargreaves (1935-1988): fue un autor e ilustrador británico de libros infantiles, en particular las series Mr. Men (Don) y Little Miss (Doña), destinadas a lectores muy jóvenes. Su trabajo ha formado parte de la cultura popular británica durante más de 25 años, con ventas de más de 85 millones en todo el mundo en 20 idiomas.
Fuentes: Mr. Lazy, Roger Hargreaves.
Robert Indiana
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Robert Clark (Indiana - 1928), más conocido como Robert Indiana es un artista estadounidense asociado con el movimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son aquellas realizadas con la palabra LOVE. A su vez a trabajado diseñando escenografías y vestuario para obras teatrales.
Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con colores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vida estadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo criticas políticas a la sociedad de ese país.
Sus primeras obras fueron series inspiradas en señales de tráfico, máquinas tragaperras y logotipos comerciales antiguos. Durante los primeros años 60 realizaría assemblages escultóricos, al mismo tiempo que comenzaría a desarrollar un estilo frío y multicolor utilizando letras, números o palabras cortas como EAT, HUG, LOVE, en el que jugaba con la simetría y con los elementos cromáticos.
Al margen de su actividad como artista plástico, Indiana apareció también en 1964 en la película Eat de Andy Warhol y diseñó la escenografía y el vestuario de la obra teatral Santa Fe Opera en 1976. Unos años después realizó un conjunto de obras que tituló Peace Paintings las cuales fueron expuestas en Nueva York en el 2004.
A diferencia de otros representantes del pop art, Indiana ha estado más interesado en la identidad y cultura estadounidense que en los mass media y la cultura de consumo. La principal diferencia con sus coetáneos, radica en su relación personal con Estados Unidos y su estilo de vida. Sus obras de basaban en los factores que marcaron la cultura estadounidense de la segunda mitad del siglo XX: la identidad nacional, la agitación política y social, el estancamiento frente a ella, el auge del consumismo, las presiones de la historia y en definitiva, el llamado sueño americano.
El sueño americano es la piedra angular de las obras de madurez de Indiana debido a que vivió su niñez durante la gran depresión de los años treinta y a que su etapa de formación como artista tuvo lugar durante las transformaciones sociales y políticas que vivió su país entre los años cuarenta y los años sesenta. El sueño americano fue la temática de su primer cuadro importante y ha seguido representándolo hasta la actualidad. Este artista se ha acercado al sueño americano reconstruyéndolo y redefiniéndolo de diversas maneras: con obras políticas como Alabama (1965), con obras literarias como The Calumet (1961) o con sus autorretratos e investigaciones sobre fama e identidad, como The Metamorphosis of Norma Jean Mortenson (1963-1967).
La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE han sido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen consiste en la palabra love en letras mayúsculas, con la letra inclinada hacia la derecha. Fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el MoMA. En 1973 el Servicio Postal de los Estado Unidos puso en circulación un sello por el valor de 8 centavos, que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos han definido a Indiana como "diseñador", "oportunista" o "one hit wonder".
Indiana no pudo registrar los derechos de autor de LOVE y por ello han encontrado muchas facilidades para introducirse en el mundo del arte. La imagen ha sido reproducida y parodiada en innumerables ocasiones en esculturas, carteles y adornos de escritorio en varios idiomas, entre ellos el español, el hebreo y el chino. La obra tuvo una fuerte influencia en la portada del libro Love Story de Erich Segal y se han utilizado variaciones sobre ella en portadas de discos de grupos musicales, como en la de Renegades de Rage Against the Machine y la del sencillo Little by Little de Oasis. Asimismo, otros artistas plásticos han realizado obras inspiradas en la imagen.
El emblema LOVE ha sido adoptado por los skaters, siendo habitual su aparición en revistas y videos sobre este deporte. Esta imagen comenzaron a utilizarla los colectivos que se opusieron a la prohibición del skateboarding en Filadelfia en 2002 ya que el LOVE Park, en el que se encuentra una escultura de Indiana, era el centro de reunión de los skaters de esa ciudad.
Fuente: Wikipedia
Esculturas con lápices de colores - Jennifer Maestre
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Hoy comparto con ustedes el trabajo de la artista Jennifer Maestre procedente de Johannesburgo - Sudáfrica y residente en Boston, que realiza esculturas con trozos de lápices de colores. Su trabajo ha recorrido museos y galerías de todo el mundo. Los invito a que vean su trabajo: Jennifer Maestre
Tournée du Chat Noir de Steinlen
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Hace un tiempo, buscando afiches viejos o antiguos en Internet con la idea de darle un estilo retro a mi cuarto me encontré una y otra vez con esta imagen que me llamó bastante la atención ... si bien no busqué mucha información. Un tiempo después me vuelvo a topar con este poster y decidí leer un poco más en profundidad al respecto y acá les dejo algo ...
Le Chat Noir (en español: el gato negro) de Rodolphe Salis fue un cabaret del siglo XIX de Montmartre - Paris. Entre sus clientes habituales se podían encontraban varios artistas famosos. Inaugurado en noviembre de 1881 y clausurado en 1897, este era un pequeño espacio con dos salas que estaban decoradas imitando el estilo Louis XIII.
Obtuvo éxito gracias a la introducción del piano en el café (lo que en aquella época iba contra la ley) pero especialmente debido a la novedad de su famoso teatro de sombras. Este consiste en proyecciones de siluetas de cinc que eran iluminadas por luces de colores sobre una pequeña pantalla mientras se acompañaba con música de piano.
Este póster de Le Chat Noir fue un trabajo de Théophile Alexandre Steinlen, más conocido como Steinlen, que era un pintor y litógrafo modernista francosuizo. Al irse a Paris y gracias a su amigo Adolphe Williette se introdujo en el mundo artístico del Le Chat Noir, en dónde entre otros trabajos realizó un póster para el cabaretista Aristide Bruant. A su vez trabajó para la revista Le Rire, Gil Blas, L'Assiette au Beurre y Les Humouristes, entre otras.
A su vez dibujó paisajes, flores y desnudos para el Salón des Indépendants. Les Chanteurs des Rues, su litografía de 1895 , fue portada de Chansons de Montmartre que fue publicada por Éditions Flammarion con dieciséis litografías originales que ilustran las canciones Belle Époque y Paul Delmet. Fueron su principal fuente de inspiración Montmartre y los gatos.
Dibujar caricaturas - Tom Richmond
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Tom Richmond (1966) es un ilustrador humorístico, dibujante y caricaturísta estadounidense. En lo personal estoy fascinada con su trabajo y supe pegarme más de una vuelta por su página.
Para todos aquellos interesados en conocer algo más sobre su trabajo los invito a que visiten su página, el blog, que vean su portfolio, los tutoriales que ha compartido, entre otras tantas cosas interesantes que uno puede ver por allí.
Para todos aquellos interesados en conocer algo más sobre su trabajo los invito a que visiten su página, el blog, que vean su portfolio, los tutoriales que ha compartido, entre otras tantas cosas interesantes que uno puede ver por allí.
Roy Lichtenstein
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Roy Fox Lichenstein (1923-1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, que fue conocido principalmente por sus interpretaciones a gran escala del arte de cómic.
Empieza a dibujar y a pintar de adolescente solo en su casa y se matricula en la escuela de Bellas Artes de Ohio, época a la cual corresponden sus obras expresionistas de modelos y naturaleza muertas. Luego, reclutado en el ejercito, dibuja a la naturaleza a la aguada, lápiz y pastel. Al concluir sus estudios y volver de la guerra, se centra principalmente en abstracciones geométricas seguidas por pinturas semi abstractas inspiradas en el cubismo. En 1949 obtiene el master de Bellas Artes en la escuela anteriormente mencionada.
Se traslada a Cleveland en dónde trabaja como dibujante gráfico y mecánico, decorador de escaparates diseñador de chapas metálicas. Con el tiempo sus obras se harán más sueltas e impresionistas. Las obras correspondientes al período 1952-1960 fluctúan entre el expresionismo abstracto no figurativo y dibujos de ingeniería de cómics.
Luego se traslada a New Yersey en dónde conoce a Allan Kaprow, el cual lo inicia en los happenings y ambientes. Los artistas de happenings - ambientes reavivan su interés por la ingeniería protopop. Sus primeras pinturas pop se registran hacia 1961 centrándose en imágenes y técnicas de tiras cómicas derivadas de la impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambios mínimos dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadas al oleo. Empieza a utilizar la tecnología de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domésticas.
Hacia 1964, y luego de volver a Nueva York, realiza una exposición retrospectiva en el Pasadena Art Museum, la cual se realiza luego en Amsterdam, Minneapolis, Londres, Berna y Hannover. Luego se dedicaría a las pinturas modernas con ingeniería de los años treinta.
Diez años más tarde la fundación nacional para las artes le encarga una escultura pública: Sirena (de unos tres metros de acero y hormigón) para el Theater of the Performing Art, Miami Beach, Florida. A su vez es elegido miembro de la American Academy and Institute of Arts and Letters.
Fuentes: Sito graphics, Wikipedia
Fuentes: Sito graphics, Wikipedia
